Ningún director de orquesta nacido en España ha tenido la proyección internacional de Ataúlfo Argenta. Nacido en Castro Urdiales en 1913, su vida ejemplifica las dificultades existentes en España durante las primeras décadas del siglo xx para desarrollar una carrera musical. Cuando Argenta llega a Madrid para completar su formación musical e iniciar su carrera como pianista y director de orquesta, España vive las expectativas de los primeros años de la República y las tensiones que acabarán desembocando en la guerra civil y la difícil posguerra. La personalidad independiente de Argenta, comprometido con los avances de la República en materia cultural, será vista con recelo, cuando no con hostilidad, por el régimen franquista, aunque él era quien catapultaba la música española a las más altas esferas internacionales. Cuando fallece a los cuarenta y cuatro años, días antes de firmar el contrato que le iba a convertir en el director mejor pagado del mundo, su muerte supone una pérdida incalculable para la música a nivel nacional e internacional. A pesar de la relevancia de Argenta, no se había escrito su biografía. Ana Arambarri, conocedora de la trayectoria del maestro y muy cercana a la familia desde su niñez, viene a colmar este vacío con este libro para el que ha tenido acceso a los archivos familiares y, muy especialmente, a la correspondencia de Argenta con su esposa. Arambarri acerca al lector una figura excepcional de la vida musical y cultural española sin la cual no se puede entender el momento excepcional que vive actualmente la música clásica en España.

En el invierno de 1780, Farinelli, el castrato más famoso de su tiempo, decide dejar constancia con la pluma y sobre el papel de todo cuanto ha aprendido, de todo cuanto ha vivido, de todo cuanto ha amado. A sus 75 años, retirado en su villa de Bolonia, rememora sus inicios, sus maestros, sus amores y desamores, y sobre todo sus horas de gloria en los teatros de Europa entera, cuando la gente desfallecía de emoción ante el simple sonido de su voz. Pero donde colmó todos sus sueños fue en España, donde llegó de la mano de la reina Isabel de Farnesio para curar la melancolía que había anulado la voluntad del rey Felipe V. Llegó para unos meses, se quedó 20 años. En esta fascinante recreación de la vida de Farinelli, Jesús Ruiz Mantilla hace revivir ante los ojos del lector la Europa del barroco, desde Nápoles, Roma y Venecia hasta Viena, Londres y Madrid, recreando las cortes del Príncipe Luis de Gales, de Luis XV de Francia, del emperador Carlos VI de Austria o de Felipe V, el primer Borbón que reinó en España. Y narra la relación de Farinelli con Mozart, Haendel, Gluck y otros grandes de su tiempo. Farinelli sabía que el arte de los castrati estaba condenado a desaparecer. Lo que no podía saber es que más de doscientos años después, sus arias resonarían en cada vez más teatros del mundo. Ni que sobre su vida se filmarían películas y se escribirían libros como el que el lector tiene en sus manos. Un libro que es antes que nada un canto de amor a la música y a esos suspiros momentáneos de la belleza más absoluta.

A lo largo de dos décadas, Jesús Ruiz Mantilla ha sido cronista musical en el diario El País. Contar la música recoge gran parte de su experiencia en ese campo. Una obra que resume el oficio al que se ha dedicado apasionadamente a través de sus encuentros con figuras de primer nivel, pero que le ha llevado a la conclusión desde el propio título, de que resulta una utopía imposible de cumplir. Diferentes protagonistas -creadores e intérpretes- nos acercan a su experiencia con la música. Entrevistas a grandes directores de nuestra época, desde Daniel Barenboim a Claudio Abbado, Zubin Mehta, Riccardo Muti o Gustavo Dudamel, pianistas de la talla de Brendel, Pollini, Zimerman, Sokolov, Maria Joao Pires o el conocimiento profundo de fenómenos como el sistema de orquestas venezolano de José Antonio Abreu, la orquesta de israelíes y palestinos, West-Eastern Divan o la eclosión de pianistas chinos ayudan a comprender el fascinante panorama creativo de la música clásica actualmente

La Música de la Memoria es una novela que relata la confesión en primera persona de Beethoven, Schubert, Schumann, Brahms, Liszt, Wagner y Mahler. Sus testimonios de vida y creación se van trenzando en un arco que sigue con pálpito apasionado el transcurso de todo el siglo XIX hasta llegar a los albores del XX. Es el tiempo del Romanticismo, donde la vida y la muerte, el amor y la soledad, la alegría y la desesperación de sus protagonistas se revuelven en un todo convulso, creando situaciones que pudieron todas ellas haber sido ciertas.
Escrita por el director de orquesta y promotor musical Xavier Güell, gran conocedor de la vida y la obra de los compositores que protagonizan el libro, La Música de la Memoria permite a los amantes de la música y a los lectores en general conocer íntimamente a siete de los mayores genios musicales de todos los tiempos. Y al mismo tiempo plantea interrogantes fascinantes y decisivos: ¿quién fue la 'amada inmortal' de Beethoven? ¿Fue Schubert homosexual? ¿Por qué Schumann aceptó el amor de su mujer Clara por Johannes Brahms? ¿Por qué Liszt acabó en el seno de la Iglesia Católica? ¿Quiso Mahler quemar su Décima Sinfonía? Como dijo Oscar Wilde, 'la música es el arte más cercano a las lágrimas y a la memoria'.

«La de Güell es una obra desconcertante que posee una elocuencia y una potencia asombrosas» (Andrés Ibáñez, ABC Cultural, 18/07/2015).

El humor en la música constituye una aproximación exhaustiva y novedosa al tema de la comicidad musical, examinando sus diversos registros, desde la broma, la parodia y el golpe de ingenio hasta el estadio superior de la ironía. Ilustrado con numerosos ejemplos musicales y sus correspondientes análisis, abarca desde el barroco hasta el siglo XX. Partiendo del estudio minucioso de la broma musical de Mozart y la ópera Falstaff de Verdi, el interés de las consideraciones desarrolladas a lo largo del texto se ve acrecentado por su enfoque multidisciplinar, lo que se refleja en sendos paralelismos con el lenguaje cinematográfico y la pintura.
«Un gran libro con el que Benet Casablancas nos ha sorprendido sobre un tema importantísimo que requería, por fin, un tratamiento extenso y meditado. Este libro es quizás el mayor homenaje que podía hacerse al gran Joseph Haydn.» (Eugenio Trías).
«Un estudio exhaustivo de los tres últimos siglos de la música occidental.» (Rafael Argullol).
«Impresionante trabajo sobre el humor en la música que debería convertirse en un best-seller literario-musical.» (Tomás Garrido).
«El mayor elogio que puede hacerse del libro es que está a la altura de la materia que trata. Y que hace sentir a su lector inteligente y libre, lo que en los tiempos que corren, no tiene precio.» (Xavier Antich).
«Un libro impresionante, tanto en el contenido como en el dominio de la escritura.» (James Webster).
«Es un buen tema y un enfoque sumamente sutil.» (Charles Rosen).
«Un libro como éste que enfatiza el aspecto humanístico del análisis musical es de lo más gratificante.» (Víctor Estapé).
• Benet Casablancas nació en Sabadell en 1956. Como compositor se formó en Barcelona y Viena, donde trabajó con Friedrich Cerha, y es también licenciado en Filosofía y doctor en Musicología por la UAB, siendo reconocido como uno de los compositores españoles más destacados de su generación. Ha compaginado siempre su labor creativa con la investigación, publicando numerosos trabajos de divulgación y artículos especializados (New Grove’s, Quodlibet, Arietta). Ha sido profesor de la UPF y director pedagógico de la Jove Orquestra Nacional de Catalunya, y actualmente es director académico del Conservatori del Liceu. Sus obras gozan de gran difusión internacional, siendo interpretadas por solistas, grupos, orquestas y directores de gran prestigio en salas tan emblemáticas como el Musikverein de Viena, Barbican de Londres, Miller Theatre de Nueva York, Bozar de Bruselas o el Bunka Haikan de Tokyo. Ha recibido, entre otras distinciones, los premios Ciutat de Barcelona (1992), Nacional de la Generalitat de Catalunya (2007) y Nacional de Música del Ministerio de Cultura de España (2013). En 2013 fue nombrado compositor en residencia de L’Auditori de Barcelona (2013-2015) y actualmente (2014) trabaja en la ópera L’Enigma di Lea, con texto de Rafael Argullol, por encargo del Gran Teatre del Liceu de Barcelona.

En la portada de Sargeant Pepper's Lonely Hearts Club Band aparecen junto a Lennon, McCartney, Harrison y Starr, escritores como Poe, Huxley, H.G. Wells, Bernard Shaw, Lewis Carroll o Wilde, pensadores como Marx o C.G. Jung, numerosos líderes espirituales y religiosos orientales, poetas como Dylan Thomas, músicos como Stockhausen, actrices como Mae West, Marlene Dietrich y Marilyn Monroe, artistas plásticos como Richard Lindner o Wallace Berman, actores como Stan Laurel y Oliver Hardy, científicos como Albert Einstein y un boxeador tan célebre como Sonny Liston; incluso estaba Hitler, aunque no se le podía ver.
ras la publicación de La regla del juego, reconocida con el Premio Nacional de Ensayo, José Luis Pardo aborda en este nuevo libro las fronteras de la cultura de masas.
Desde la arrogancia de los Beatles, cuatro jóvenes prácticamente iletrados que, por haber tocado el cielo de la popularidad masiva gracias a un golpe de suerte, se comparaban en fama a Jesucristo o a Mozart en cuanto a influencia, hasta la expectativa que los jóvenes de aquella generación y extracción social tenían de poder superar la barrera de clase que les separaba de la elite a la cual pertenecían históricamente Stockhausen, Wilde o Jung, del mismo modo que la habían superado (al menos en la portada de Sargeant Pepper's) otros don nadies como Marilyn Monroe, Stan Laurel y Oliver Hardy o Sonny Liston.

El presente libro constituye una aproximación exhaustiva y novedosa al tema de la comicidad musical, examinando sus diversos registros, desde la broma, la parodia y el golpe de ingenio hasta el estadio superior de la ironía. Ilustrado con numerosos ejemplos musicales y sus correspondientes análisis, abarca desde el barroco hasta el siglo xx. Partiendo del estudio minucioso de la broma musical de Mozart y la ópera Falstaff de Verdi, el interés de las consideraciones desarrolladas a lo largo del texto se ve acrecentado por su enfoque multidisciplinar, lo que se refleja en sendos paralelismos con el lenguaje cinematográfico y la pintura.

Cuando la Historia de la ópera analice el final del siglo XX y el comienzo del siglo XXI, todos los nombres que aparecen en este libro tendrán un capítulo especial como representantes de cuatro generaciones entrecruzadas. Por un lado, la de Plácido Domingo, Luciano Pavarotti, Josep Carreras o Teresa Berganza; por otro, la de Renée Fleming, Barbara Hendricks y Roberto Alagna, junto a quienes también han marcado con fuerza las dos primeras décadas del nuevo milenio, como Cecilia Bartoli, Anna Netrebko, Sondra Radvanovsky, Carlos Álvarez, Jonas Kaufmann, Juan Diego Flórez, Javier Camarena, Rolando Villazón o, después, Philip Jaroussky y Jakub Jozef Orlinsky. En el escenario todos ellos se sienten, en su fortaleza y su fragilidad, auténticamente divos. Pero también, desde fuera, figuras como Peter Gelb o Gerard Mortier, verdaderos magos, han sido capaces de transformar, desde su audaz visión de la cultura, un espectáculo como la ópera, para que sobreviva en el futuro. A todos ellos los ha conocido de cerca y entrevistado a menudo Jesús Ruiz Mantilla, como cronista musical. Juntos conforman una visión apasionada, lúcida y polémica del mundo del arte y de la música. Todos abordan sus valores y filosofías de la vida, sus carreras, la política, el amor, ciertas manías, pasiones, excesos y locuras, sus glorias y ocasos… Un retrato colectivo donde prima la dimensión humana de estos seres divinos que bordean la tragedia y saben también reírse de sí mismos y de lo que les rodea sin dejar indiferente a nadie.